Color and Light do James Gurney - Como estudar este livro?

Certamente Color and Light é um dos livros mais recomendados para quem quer aprender luz, sombra e cores. Já perdi a conta de quantas entrevistas, podcasts, blogs e canais do Youtube o citam entre as listas de livros essenciais para qualquer artista.

Mas o que o torna uma referência tão essencial no aprendizado? Neste post quero discutir o texto do James Gurney e sugerir uma estrutura de estudos para em 2019 tirarmos de uma vez por todas este livro da estante e aplicar os aprendizados.

Primeiramente, acho importante entender quem é James Gurney e de onde vem toda a sua bagagem na construção deste texto tão completo.

James Gurney é, acima de tudo, um grande ilustrador, tendo trabalhado com publicações como a National Geographic, uma de suas grandes inspirações desde criança, como ele descreve no vídeo abaixo. De seus estudos de pintura do mundo real e do trabalho de ilustração acompanhando arqueólogos (que por sinal também é sua formação acadêmica) veio a ideia de ao invés de encontrar uma cidade perdida construir a sua própria no projeto pessoal Dinotopia (para o qual eu fiz o vídeo review ao lado). Vale muito a pena conferir o livro se você não o conhecer.

No vídeo ele também fala bastante dos outros livros da coletânea e do processo de desenvolvimento dos mesmos:

É só dar uma rápida folheada para perceber que o livro tem grande influência dos pintores acadêmicos e ilustradores da era de ouro, grandes influências suas, incluindo nomes como Gerome, Lawrence Alma-Tadema, entre outros. Gosto de comparar por exemplo a imagem da capa do livro com uma pintura do Alma-Tadema:

Arte de James Gurney

Parte de pintura de Lawrence Alma-Tadema

É possível também ver no livro Journey to Chandara, também da série Dinotopia, grande influência dos pintores orientalistas, como os artistas citados anteriormente e outros desse período entre o final do século 19 e começo do século 20. Segue um vídeo interessante sobre o tópico:

Isso nos leva ao segundo ponto que acho que se destaca muito no James Gurney, que ele é um grande estudioso e usa as ferramentas que forem necessárias para fazer um projeto acontecer. Seu blog, Gurney Journey, uma das melhores referências sobre arte na internet, é literalmente uma grande “jornada” por seu aprendizado e temas de seu interesse. Seja em posts onde ele discute os processos de grandes mestres, acadêmicos, seu próprio processo ou apresentando artistas que nunca ouvimos falar e que provavelmente ele descobriu recentemente em seus estudos, os posts diários nos permitem acompanhar o seu dia a dia e a quantidade de conteúdo que ele absorve. Por vezes, fica até um pouco “demais” ver a quantidade de coisas que ele faz, de maquetes a stop motion, sem contar os inúmeros estudos de plein air que ele compartilha em seu canal do Youtube. Segue um exemplo:

Tendo combinado todos estes conhecimentos ao longo dos anos, muitos deles tendo sido compartilhados em seu blog, ele mostrou também um terceiro lado de suas habilidades, desta vez como um grande educador. Ambos os livros, Imaginative Realism (review ao lado) e posteriormente Color and Light (review abaixo), são grandes referências para a ilustração, sendo o primerio mais em processo e o último nos fundamentos de luz e cores.

Vamos então ao livro, começando pelo review que fiz no Youtube e um link patrocinado para o mesmo na amazon.com.br (comprando através dele, uma porcentagem vai para o Brushwork Atelier):

Como eu falei no vídeo, o livro cobre, capítulo a capítulo, os temas de tradições, olhando para a evolução de pigmentos e impactos que tiveram na representação de luz nas pinturas ao longo da história da arte, fundamentos de luz e projeção de sombras, teoria das cores, pigmentos e pintura tradicional, percepção e finalmente diferentes efeitos de materiais e atmosfera e como estes podem ser representados na pintura. Seja com representações esquemáticas ou exemplos de suas pinturas, o livro deixa bem fáceis de assimilar alguns conceitos que vão dos mais introdutórios, como luzes de rebatimento, projeção de sombras e cores locais, até temas bem complexos como paletas reduzidas e relatividades de valores e cores.

Compilado de imagens do livro

Compilado de imagens do livro

Arte de James Gurney

Arte de James Gurney

Eu realmente acho que este livro tem que ser estudado de forma mais lenta, assimilando aos poucos os conceitos e permitindo experimentações, principalmente de imaginação, possivelmente até com o auxílio do seu outro livro, Imaginative Realism. Tendo isso em mente, vou propor uma estrutura de 23 semanas, que seria o equivalente a aproximadamente 6 meses de estudos. Utilizaremos a mesma estrutura para estuda-lo em grupo no Clube Brushwork Atelier. Falarei mais a respeito no final deste post.

Todos podem ser aplicados tanto através da pintura digital quanto tradicional. Seguem posts que fiz sobre os temas:

Pintura Digital

Pintura Tradicional

Semana 1 - Introdução + Old Masters e Acadêmicos - até a página 15

Nestas primeiras páginas, Gurney discute as escolhas de cores utilizadas primeiramente por grandes mestres do passado e posteriormente pelos pintores acadêmicos. Sugiro além da leitura do conteúdo, experimentar reproduzir algumas obras, investigando quais as paletas utilizadas em cada período e como isso reflete nas decisões tomadas. Você também certamente vai aprender muito sobre escolhas de composição tonal e cromática. Seguem alguns vídeos sobre o tema:

Semana 2 - Open Air + Hudson River + Plein Air - páginas 16 a 21

Também gostaria de incluir a parte de Photos vs Observation das páginas 170 e 171, pois é importante entender o motivo de estudar do real nos dias de hoje (esta é a única alteração de estrutura que proponho para o livro). Novamente é interessante fazer cópias e análises dos pintores destes períodos, porém ainda mais importante é sair de casa e começar a vivenciar a pintura ao ar livre. O próprio James Gurney tem inúmeros vídeos em seu canal, assim como tutoriais como estes abaixo:

Semana 3 - Simbolistas e Golden Age - páginas 22 a 25

Novamente fazer estudos das obras de artistas. Um exemplo de artista a estudar seria o Leyendecker:

Semana 4 - Luz Natural - Luz direta, luz overcast e Window - páginas 28 a 33

Tanto nesta quanto na próxima semana, os estudos da vida real serão essenciais para realmente trabalhar sua percepção. Segue um exemplo de estudo da Tonko House.

Semana 5 - Luz Artificial - Candelight, indoor eletric, streetlights, luminescence, hidden light - páginas 34 a 43

Mesmo caso da semana anterior, apesar de algumas serem difíceis de estudar da vida real, como luminescência.

Semana 6 - Estudo da forma - Form principle, separação luz e sombra, cast shadow, half shadow, occlusion - páginas 46 a 55

Chegou a hora de ficar um pouco mais técnico e entender os fundamentos das projeções de sombra, o chamado “form principle” muito discutido por Andrew Loomis em seus livros. Segue um vídeo do Proko:

Semana 7 - TIpos de iluminação - 3/4 lighting, frontal, edge, contre jour, light from below, reclected, spotlight e limitações - páginas 56 a 71

Agora tendo dominado melhor a teoria por trás das projeções de sombra e da direção da luz, é hora de aprender na prática que diferentes setups de luzes podem dar diferentes resultados na sua cena. Uma referência fantástica, além dos exemplos apresentados, são os conteúdos de iluminação para filmes, como o livro Framed Ink. Segue um vídeo de exemplo:

Semana 8 - Cor - Color Wheel, chroma and value, local color, grays and neutrals - páginas 74 a 81

Hora de voltar aos conceitos e entender a relação entre a cor local dos objetos e a cor da luz incidente. Qual a cor de um objeto em um dia nublado? E sob a luz do sol? E sob uma liz artificial mais azulada? Estudos da vida real serão mais uma vez muito importantes para trabalhar a percepção. Dice Tsutsumi fala muito sobre esse domínio da luz de um dia nublado em seu curso da Schoolism, principalmente como parte do processo para diferentes iluminações posteriores. Segue um vídeo bacana do Mike Azevedo sobre o tema:

Semana 9 - Casos de Cor - Green problem, gradation, tints - páginas 82 a 87

Nestes tópicos, James Gurney aborda alguns exemplos mais específicos do que discutimos na semana anterior, principalmente no caso dos verdes isso fica muito claro. Vale a pena conferir materiais do Sam Nielson, onde ouvi pela primeira vez o conceito de gradação no céu.

Semana 10 - Pigmentos - Search, Charting, lightfastness, warm underpainting, sky panels, transparency and glazing - páginas 90 a 101

Durante essa semana e a próxima, sugiro a experimentação com tintas tradicionais. É claro que não podemos esperar um domínio de especificidades de pigmentos em duas semanas, porém é um começo. Também é interessante compreender como diferentes etapas no processo podem alterar os resultados. Esse é o caso do underpainting mais quente. Segue um exemplo do Nathan Fowkes:

Semana 11 - Paletas - Arrangements, limited e mud debate - páginas 102 a 107

Seguindo os estudos da semana anterior, porém como mais especifidades sobre tintas, pigmentos e paletas. Segue um complemento legal a discussão de “cores sujas”:

Semana 12 - Relações Cromáticas - Monocromático, Quente e Frio, Interações de luzes coloridas, triades e acentuação - páginas 110 a 119

Chegamos na parte mais discutida na teoria de cores, relações cromáticas. Este é um tópico que conversa muito com composições cromáticas, contrastes e harmonia (que vimos no vídeo do tema anterior). Segue um vídeo bacana sobre teoria de cores:

Semana 13 - Gamut - Color strings, mapping, masks, shapes, mixing - páginas 122 a 131

Experimentação com gamuts é outro tópico que não dominaremos em uma semana, mas acho que é um tempo interessante para praticarmos e ver o potencial dessa ferramenta.

Semana 14 - Color Scripting - páginas 132 e 133

A influência das cores em nosso psicológico e sua utilização em diferentes narrativas para enfatizar sentimentos é outro campo bem amplo. Vale fazer estudos de alguns filmes e como a cor foi utilizada para passar determinada mensagem. Segue um exemplo:

Semana 15 - Percepção - Falta de cor, moonlight, edges e depth - páginas 136 a 141

Esta semana vale analisar alguns casos específicos e também a ferramenta de bordas, algo que Gurney explora pouco em seu livro. Existem outras referências interessantes como o livro Alla Prima de Richard Schmid sobre o tema na pintura. Segue uma review que fiz do livro e um vídeo do site Ctrl Paint:

Semana 16 - Relatividade de cores - Oposição, constância, adaptação e contraste e psicologia - páginas 142 a 149

A relatividade cromática é, para mim, um dos temas mais interessantes desse estudo e como nossa percepção nos prega algumas peças de vez em quando. Este é só um compilado de muito do que já estávamos vendo nos temas anteriores. Segue um exemplo:

Semana 17 - Materiais I - Figura e Orgânicos - Transmissão, SSS, zonas de cor do rosto e cabelo - páginas 152 a 159

Nos próximas duas semanas, sugiro estudar materiais, sendo nesta primeira o foco em elementos orgânicos, transmissão da luz através da pele. É quase o famoso tutorial de “como pintar cabelos”. Sugiro mais uma vez o estudo da vida real. Segue um ótimo tutorial do James Gurney e um vídeo do artista Jonathan Hardesty (que agora tem um curso sobre materiais na Schoolism):

Semana 18 - Materiais II - Reflexão, Refração e Efeitos - Caustics, Specular, Highlights, Corona, Motion - páginas 160 a 169

Já nesta semana, vamos estudar a reflexão e refração, principalmente em seus efeitos em metais e na água. Segue um vídeo do artista Xia Taptara:

Semana 19 - Céu - Azul, Perspectiva Atmosférica, Reversa, Golden Hour e Sunsets - páginas 174 a 183

Nas próximas 4 semanas, estudaremos efeitos atmosféricos e climáticos em pinturas, assim como alguns elementos naturais. Começando pelo céu em diferentes horas do dia. Assim como nas semanas anteriores, vale muito a pena aplicar da vida real. Segue um vídeo do Noah Bradley aplicando os conceitos em cartas de Magic:

Semana 20 - Efeitos Climáticos e de Ambiente - Fog, Mist, Rainbow, Skyholes e Sunbeams - páginas 184 a 191

Estudo de diferentes condições atmosféricas.

Semana 21 - Efeitos de Ambiente II - Dappled light, cloud shadows e foreground - páginas 192 a 197

Os efeitos da luz passando através de folhas de árvores ou de nuvens são alguns dos meus favoritos de observar tanto na vida real quanto em pintura como esta abaixo, nessa semana vamos estudar o tema e como aplicar sombras na composição.

Semana 22 - Água no Ambiente - Neve e gelo, reflexão na água, mountain streams e color underwater- páginas 198 a 203

Existem muitas peculiaridades sobre a aguá, em seus mais devidos contextos na natureza, então não esperamos dominar todos em uma semana. É legal entender um pouco de forma técnica, principalmente questões que já falamos de refração e reflexão, mas também observar bastante daqui para frente sempre que tivermos oportunidades. Segue um tutorial um pouco “fora” do contexto, mas que envolve as dinâmicas de água:

Semana 23 - Prática e Encerramento - Serial painting e end of the day - páginas 208 a 211

Para finalizar, acho que não poderia ter um tópico melhor, pinturas seriadas. Vamos começar a discussão com um exemplo visual do Nathan Fowkes:

Arte de Nathan Fowkes

Talvez você tenha pensado, “nossa, ele pintou tantas vezes a mesma coisa”. Esse é um exemplo clássico para mim que evolução em arte é repetição, muitas vezes com o mesmo tema, do mesmo ponto de vista, as vezes até nas mesmas condições climáticas para realmente “acertarmos” em transmitir de forma clara em nossas pinturas.

Em especial para aprender sobre luz e cores, vimos neste post diversos exemplos, como Dice Tsutsumi, James Gurney e o próprio Nathan Fowkes, reforçando a importância do estudo da vida real, análise de diferentes momentos do dia, efeitos atmosféricos e como isso influencia em diferentes materiais.

Se pudesse dar uma dica, seria tenha calma. Não queria absorver tudo de uma vez. Todos esses artistas que eu citei estão há décadas na trajetória artística e continuam sempre humildes com relação ao que a natureza tem a oferecer, sempre estudando, sempre aprendendo, sempre praticando.

Uma das melhores formas de estudar este conteúdo, na minha opinião, é em um grupo. É por isso que cursos funcionam tanto, pessoas parecidas, estudando um mesmo tópico, no mesmo período. Dito isso, outra ótima dica é juntar um grupo de amigos para cobrir semana após semana os tópicos.

Clube Brushwork Atelier

É isso que faremos no Clube Brushwork Atelier a partir de 7 de janeiro de 2019. Estudaremos em grupo o Color and Light, semana após semana. Cada tópico terá uma página específica com uma apresentação, discussão, sugestão de estudos e conteúdos complementares, como fiz neste post, porém com muito mais profundidade e quantidade de conteúdos.

Além disso, no Clube você tem acesso a mais de 5 horas de conteúdos de projeção de sombras (muito importante para a semana 6 de estudos do livro), conteúdos em vídeo cobrindo o livro Imaginative Realism, também de James Gurney, e ao meu curso completo de Fundamentos de Perspectiva, com mais de 35 horas de conteúdo. Tudo isso para estudar em um grupo exclusivo do Facebook que já conta com mais de 150 membros.

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